Films du mois

Une vie secrète

Higinio et Rosa ne sont mariés que depuis quelques mois lorsque la guerre civile éclate, représentant une menace sérieuse pour leur vie. Aidé par sa femme, Higinio décide d'utiliser un trou creusé dans leur propre maison comme cachette provisoire…

Après le décevant Lettres à Franco d’Alejandro Amenábar et l’épatant Josep d’Aurel, un trio de cinéastes espagnols raconte l’histoire singulière d’un partisan républicain qui, pour échapper aux troupes franquistes, décide de se cacher chez lui avec sa femme. Une maison qui va devenir sa prison pendant des décennies, car la peur l’empêchera de mettre un pied dehors tant qu’un voisin pourrait le dénoncer. Bien que desservi par sa longueur, Une vie secrète raconte avec finesse comment l’amour fusionnel de ce couple va être mis à mal, et la parano de cet homme qui finira par douter de sa femme et se faire traiter de lâche par son fils né durant cette période. À quoi bon sauver sa vie si on doit la subir enfermé ? Telle est la question développée par ce récit où brille une fois encore le toujours impeccable Antonio de la Torre. Première

Michel-Ange

Explorer les pensées et démons intérieurs de Michel-Ange, éclairant la conscience d'un génie; celle d'un homme de la Renaissance avec ses superstitions, ses exaltations, son mysticisme et sa foi dans les miracles. Florence, début du XVIe siècle. Même s'il est considéré comme un génie par ses contemporains, Michelangelo Buonarroti est réduit à la pauvreté après l'éprouvant chantier du plafond de la chapelle Sixtine. Lorsque son commanditaire le pape Jules II meurt, Michel-Ange devient obsédé par l'idée de trouver le meilleur marbre pour terminer son tombeau. La loyauté de l'artiste est mise à rude épreuve lorsque le pape Léon X accède à la papauté et lui ordonne de réaliser la façade de la basilique San Lorenzo.

Le dernier film d’Andreï Konchalovsky, Michel-Ange (Il peccato) tient du miracle : suivant le peintre en proie à ses démons, le spectateur assiste à la résurrection d’un monde. Une véritable splendeur. Bande à part

Drunk

Quatre amis décident de mettre en pratique la théorie d’un psychologue norvégien selon laquelle l’homme aurait dès la naissance un déficit d’alcool dans le sang. Avec une rigueur scientifique, chacun relève le défi en espérant tous que leur vie n’en sera que meilleure ! Si dans un premier temps les résultats sont encourageants, la situation devient rapidement hors de contrôle.

La vie serait-elle plus belle avec 0,5 gramme d’alcool dans le sang ? Le réalisateur de Festen s’amuse, ni moralisateur, ni inconséquent. Thomas Vinterberg n’a jamais fait dans la dentelle. Depuis Festen, son coup d’éclat cannois (Prix du jury 1998), et son immonde patriarche incestueux cloué au pilori par ses victimes en plein repas de famille, le Danois s’est dispersé tous azimuts, du mélodrame victorien en costumes au film de sous-marin russe. Il revient en son royaume, forcément « pourri », avec un précis de soûlographie à l’amoralité détonnante en ces temps de dictature sanitaire. Rongés par la routine de leur métier de profs au lycée et leurs déboires conjugaux de plus ou moins jeunes pères de famille, quatre mâles en peine décident de mettre en pratique la théorie farfelue d’un psychologue norvégien selon laquelle la vie est plus belle avec 0,5 gramme d’alcool dans le sang, du matin au soir… Ragaillardi par sa mirifique découverte (le saviez-vous, ­l’alcool rend gai, comme l’eau mouille et le feu brûle ?), le quatuor exulte, avant de déchanter devant la difficulté de tenir la posologie. « Les hommes naissent égaux et puis ils se mettent à boire », disait Coluche, autre théoricien du bonheur. Une saillie qu’on peut interpréter différemment selon que l’on considère la boisson comme un poison ou un bienfait. Face au film, on peut privilégier une lecture politiquement incorrecte et, même, dénoncer les risques de l’abstinence, qui empêche d’atteindre ce degré d’éveil éphémère procuré par l’ivresse. De toute évidence, Thomas Vinterberg choisit ce camp-là, lui qui n’aime rien tant que mettre à nu les vices enfouis sous le vernis de la bonne société. Sans jamais nier les ravages de l’alcoolisme (un des protagonistes finira mal à force de ne pas respecter les doses prescrites), le réalisateur refuse de verser dans le discours culpabilisateur. Le prof d’histoire interprété par Mads Mikkelsen prend un malin plaisir à mettre en avant les grands hommes portés sur la bouteille (Churchill, Tchaïkovski, Hemingway…) devant des élèves enfin captivés par son cours, auparavant hautement soporifique. Certains pourront juger pareil film bas de plafond ou inconséquent, mais Vinterberg est, jusqu’au bout, davantage dans le constat que dans l’apologie. Au Danemark comme ailleurs, la consommation d’alcool est un rituel, pour le pire et parfois le meilleur. La scène finale, une danse improvisée, libérée par la bière, sur les quais du port de Copenhague, témoigne de la beauté fragile qui peut surgir de l’état d’ébriété. Télérama

Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary

1863, États-Unis d’Amérique Dans un convoi qui progresse vers l’Ouest avec l’espoir d’une vie meilleure, le père de Martha Jane se blesse. C’est elle qui doit conduire le chariot familial et soigner les chevaux. L’apprentissage est rude et pourtant Martha Jane ne s’est jamais sentie aussi libre. Et comme c’est plus pratique pour faire du cheval, elle n’hésite pas à passer un pantalon. C’est l’audace de trop pour Abraham, le chef du convoi. Accusée de vol, Martha est obligée de fuir. Habillée en garçon, à la recherche des preuves de son innocence, elle découvre un monde en construction où sa personnalité unique va s’affirmer. Une aventure pleine de dangers et riche en rencontres qui, étape par étape, révélera la mythique Calamity Jane.

Un western à hauteur d’enfant sur l’enfance de Calamity Jane. Beau et engagé. 1863, dans un convoi qui progresse vers l’ouest, Martha Jane, 10 ans, est en route avec son père, son frère et sa soeur, vers un avenir meilleur. Elle vient de perdre sa mère. Destinée à être une jeune fille prête à marier, la gamine intrépide va braver les dangers. Pour son deuxième long métrage après le très beau et poétique Tout en haut du monde, le réalisateur Rémi Chayé a choisi de broder sur l’enfance de Calamity Jane. À la fois film d’aventures et réflexion sur la condition de la femme, ce western à hauteur d’enfant a tout pour plaire. À commencer par un graphisme sublime qui joue sur les ombres et les aplats de couleurs rendant aussi bien compte de l’âpreté des montagnes Rocheuses que des états d’âme tourmentés de la jeune Martha. Rémi Chayé réussit à livrer une vision contemporaine de la conquête de l’Ouest tout en reprenant les symboles du genre. Le scénario aborde avec subtilité la question du genre et met à bas les préjugés sur les codes masculins et féminins. La rencontre de la môme courageuse avec une chercheuse d’or au franc-parler est une des belles séquences du film et une belle leçon de féminisme. On s’attache tellement à cette fillette qu’on se prend, avant même la conclusion de ses aventures, à espérer une suite pour savoir comment elle finira par devenir cette redoutable hors-la-loi de légende. S’il fallait encore un argument pour vous pousser en salles : sachez que Calamity a remporté à juste titre le Cristal du long métrage de l’édition 2020 du Festival d’Annecy. Un gage de qualité ! Première

Chien Pourri, la vie à Paris !

Il était une fois un chien parisien, naïf et passionné appelé Chien Pourri. Avec Chaplapla, son fidèle compagnon de gouttière, Chien Pourri arpente les rues de Paris la truffe au vent. Peu importe les catastrophes qu’il provoque, Chien Pourri retombe toujours sur ses pattes ! Tant et si bien que les autres chiens commencent à trouver ça louche. La folle aventure de Chien Pourri et ses amis pour faire découvrir la poésie de Paris aux tout-petits !

C’est le plus tendre, le plus naïf, le plus crado des cabots clodos. Avec son pelage brun hirsute, son long nez rigolo et sa silhouette maigrichonne, cet adorable héros bat le pavé de Paris, le temps d’une poignée d’aventures destinées (et parfaitement adaptées) aux tout-petits. Cinq mini-récits réinventent en douceur la ville et ses habitants — chats, chiens et même insectes. Du fond des poubelles jusqu’au bord des étoiles, le vagabond céleste et ses copains sont ­joliment croqués par Davy Durand, avec la collaboration de Patar et Aubier, le duo gagnant (entre autres) de Panique au village. Télérama

Lupin III: The First

Le cultissime «gentleman cambrioleur» Lupin III revient dans une aventure effrénée. Il s’associe à la jeune Laëtitia pour faire main basse sur le journal de Bresson, un trésor que même Arsène Lupin n’a jamais réussi à dérober. Alors que Lupin III et ses compagnons se démènent pour dénouer les secrets du fameux journal, ils doivent faire face à une sombre cabale poursuivant d’horribles desseins.

Le célèbre gentleman-cambrioleur animé arrive en force sur nos écrans. Et c’est une bonne nouvelle. Connu en France sous le nom d’Edgar, le détective cambrioleur grâce à la série animée éponyme des années 80, Lupin III est, rappelons-le pour les profanes, le petit-fils d’Arsène Lupin créé par l’auteur de mangas japonais Monkey Punch il y a plus de cinquante ans. Malin, plaisantin, agile, maître du travestissement, Lupin III a été le héros de plusieurs moyens et longs métrages animés nippons, pour la plupart inédits en France. C’est donc avec un intérêt aiguisé par la rareté que l’on a découvert cette nouvelle aventure signée Takashi Yamakazi, un réalisateur méconnu chez nous dont le précédent anime, Dragon Quest – Your Story, est visible sur Netflix. De quoi retourne le film ? D’une quête, celle d’un journal fabuleux laissé par l’archéologue Bresson que convoitent des méchants néo-nazis, Lupin III et sa bande (Jigen, Goemon, Fujiko) et l’inspecteur Koichi Zenigata, ennemi juré de Lupin. Le journal permet en effet à celui qui saura le décrypter de faire fonctionner l’Eclipse, une arme surpuissante... Lupin Jones Sur fond de musique jazzy et de vignettes habilement montées, le générique évoque irrésistiblement un épisode de James Bond. Mais plus que Dr No ou autres, Lupin III The First renvoie aux Aventuriers de l’Arche Perdue avec son héros intrépide et comique et avec son Eclipse, l’équivalent de l’Arche d’Alliance censée donner aux Nazis la victoire. L’intrigue ne se contente cependant pas d’un clin d’œil aussi direct. Le personnage de Laëtitia, jeune femme dont le grand-père adoptif fraie avec un nostalgique du IIIè Reich, apporte au récit un romanesque bienvenu qui fait souffler sur ce grand film d’aventure le vent de la tragédie. Les seconds rôles ne manquent de leur côté pas de piment : Jigen, le bras droit vachard de Lupin, Goemon, le samouraï dépressif, Fujiko, la pin-up opportuniste, Zenigata, le faux nigaud... Évidemment, pour la plupart des lecteurs et des connaisseurs de l’œuvre de Monkey Punch, l’attente se situe au niveau des scènes d’action. Ils ne seront pas déçus. Époustouflante de maîtrise, l’animation en images de synthèse ménage quelques grands moments de mise en scène qui se cristallisent, comme chez Miyazaki, autour des courses-poursuites motorisées -voitures, avions. Du très grand spectacle à l’arrivée, à découvrir absolument sur grand écran. Première

Suspiria

Suzy, une jeune américaine, arrive à Fribourg afin de suivre des cours dans une académie de danse prestigieuse. L’atmosphère générale dans l’école surprend la jeune fille, c’est une atmosphère étrange et inquiétante. Puis cela tourne au cauchemar lorsque surviennent des accidents terribles: un jeune élève est assassiné, un pianiste aveugle est égorgé par son propre chien… Suzy est par ailleurs souvent prise de malaises. Elle apprend que l’académie était autrefois la demeure d’une terrible sorcière surnommée la Mère des Soupirs. Et si l’école était encore sous son emprise ?

Suivant de peu Les Frissons de l’angoisse, Suspiria est un moment clé dans la filmographie de Dario Argento, où le ­giallo, ce polar mystérieux à l’italienne, se teinte de fantastique. Ce film est un modèle du genre : atmosphère oppressante, servie par des mélodies entêtantes et une invention visuelle de tous les instants, parcours fléché de l’héroïne, forcément ingénue, à travers le labyrinthe du mystère… Ce n’est pas un film narratif, mais un collage savant d’effets visuels et sonores où le rouge sang est récurrent. C’est cet imaginaire baroque et coloré qui va devenir par la suite (et jusqu’à plus soif) la marque de fabrique du cinéaste, en cela digne successeur de Mario Bava. Suspiria est la brillante matrice de tout un courant du fantastique des années 1980 et vient de faire l’objet d’un remake médiocre ­signé Luca Guadagnino : découvrez donc l’original ! Télérama

Suspiria

Susie Bannion, jeune danseuse américaine, débarque à Berlin dans l'espoir d'intégrer la célèbre compagnie de danse Helena Markos. Madame Blanc, sa chorégraphe, impressionnée par son talent, promeut Susie danseuse étoile. Tandis que les répétitions du ballet final s’intensifient, les deux femmes deviennent de plus en plus proches. C’est alors que Susie commence à faire de terrifiantes découvertes sur la compagnie et celles qui la dirigent…

Une relecture passionnante et oppressante du chef d’oeuvre d’Argento qui distille une angoisse permanente avec ses corps malmenés et son atmosphère malsaine. Un véritable tour de force. Avoir-alire

Slalom

Lyz, 15 ans, vient d'intégrer une prestigieuse section ski-études du lycée de Bourg-Saint-Maurice. Fred, ex-champion et désormais entraîneur, décide de tout miser sur sa nouvelle recrue. Galvanisée par son soutien, Lyz s'investit à corps perdu, physiquement et émotionnellement. Elle enchaîne les succès mais bascule rapidement sous l'emprise absolue de Fred...

Gaza

Avec une délicatesse infinie, les cinéastes dressent un portrait de Gaza par delà les ruines et le conflit sans fin, à partir de Karma et Ahmed, deux ados que tout sépare : Ahmed vit dans un camp de réfugié·es avec son père, ses 3 femmes et ses 35 frères et soeurs, aspirant à devenir pêcheur. Quant à Karma, elle vit dans un appartement de la classe moyenne libérale, et rêve d’un ailleurs impossible. Entre rires et larmes, on croise aussi la route d’un metteur en scène de théâtre plein d’énergie, d’un truculent chauffeur de taxi, et de jumelles wedding planners. Bien au-delà de ce que saisissent les reportages TV, ce morceau de cinéma raconte une Gaza qui porte haut ses couleurs et sa vivacité, sa musique, sa complexité et sa fierté.

Citoyens bois d'ébène

Le Dr Emmanuel Gordien est un militant de la mémoire. Avec son association, le CM98, il restitue aux Antillais l'histoire et les noms oubliés de leurs aïeux esclaves dont il réhabilite le souvenir. Une démarche étroitement liée à sa quête personnelle. Il a retrouvé Georges, l'esclave qui, le premier, après l'abolition, a porté son nom de famille : Gordien. Avec lui, nous partons sur les traces de son aïeul, en Ile-De-France, en Guadeloupe et au Bénin. Une aventure humaine porteuse d'immenses espoirs : ceux d'une mémoire apaisée et d'une réconciliation des descendants d'esclaves avec l'Afrique, la France et leur propre passé.

Les Joueuses

L’équipe féminine de L’Olympique Lyonnais s’est imposée au fil des années comme une des meilleures équipes de football au monde. D'entraînements en compétitions, de doutes en victoires, ce film plonge pour la première fois au coeur du quotidien de ces joueuses d’exception. Une invitation à porter un nouveau regard sur la place faite aux femmes dans le sport : un univers où les valeurs de respect et d’ouverture seront les piliers de l’évolution vers l’égalité.

On a découvert Stéphanie Gillard en 2018 avec The Ride, un passionnant documentaire sur le peuple sioux des grandes plaines du Dakota. La voici de retour au milieu d’une autre tribu. La meilleure équipe de foot féminine de France et d’Europe : l’Olympique lyonnais. Car, alors que son homologue masculin court en vain après un trophée européen, l’équipe de Wendy Renard fait parler la poudre et les chiffres : 6 victoires en 8 finales de Ligue des champions (MAJ, elle vient de remporter sa septième) ! Stéphanie Gillard explore en mode Les Yeux dans les Bleus les coulisses de cet art de la gagne en promenant sa caméra des entraînements aux vestiaires, de la cantine aux matchs… À chaque seconde de ces 90 minutes (le temps d’un match !), on sent l’œil de la connaisseuse et de la passionnée, en particulier dans la manière de retranscrire à l’écran – par l’image et plus encore par le son – ce que les joueuses ressentent sur le terrain, en ne faisant jamais l’erreur de singer la mise en scène télévisuelle de ce spectacle. Mais, surtout, sans forcer le trait, sans la moindre voix off explicative, elle raconte une magnifique histoire de transmission entre les différentes générations de joueuses et signe une œuvre d’autant plus féministe qu’elle suggère plus qu’elle ne martèle les différences de traitement entre hommes et femmes dans ce sport roi (leur président, si essentiel dans leur ascension qui, malgré tout, zappe leur finale de coupe d’Europe féminine pour assister à un simple match de championnat de France de son équipe masculine…). Emballant et pertinent, un documentaire à ne pas rater ! Première

Un pays qui se tient sage

Alors que s'accroissent la colère et le mécontentement devant les injustices sociales, de nombreuses manifestations citoyennes sont l'objet d'une répression de plus en plus violente.

Les images des violences policières contre les Gilets jaunes soumises à des regards multiples, pour interroger le maintien de l’ordre à la française. Samedi après samedi, acte après acte, le journaliste ­David Dufresne s’est employé à relayer, dénoncer et archiver, sur son fil Twitter, toutes les vidéos de violences policières commises à l’encontre des manifestants pendant le mouvement des Gilets jaunes. Son travail fut récompensé par le Grand Prix du journalisme 2019. Ces images brutales, parfois insoutenables, filmées in situ, au téléphone portable, constituent aujourd’hui la matière de ce documentaire. Pour s’extraire du commentaire à chaud et de la récupération partisane, David Dufresne a choisi de les montrer à des interlocuteurs très divers (sociologue, écrivain, historien, avocat, gendarme, syndicaliste, plombier…) et toujours en duo, en dialogue, afin de nourrir un débat indispensable sur la caractérisation des violences ­policières. L’expression elle-même fait polémique, et les partisans d’un État droit dans ses bottes vont jusqu’à nier ces violences, préférant parler de « riposte graduée », de « maintien de l’ordre », de « violence légitime ». Mais leur position dogmatique est mise à mal par le dispositif du film. Contextualisées, sourcées, projetées sur grand écran, les images chocs des affrontements changent de statut et acquièrent la valeur de documents historiques, de preuves irréfutables. Parmi les cent cinquante blessés graves chez les Gilets jaunes et les journalistes, les deux tiers par des tirs de lanceur de balle de défense, on dénombre une quinzaine d’éborgnés, plusieurs mains arrachées. Un bilan ­effrayant, indigne d’une démocratie. Le titre du film fait référence au commentaire d’un gendarme dans la vidéo, tournée par ses soins, d’une classe de Mantes-la-Jolie tenue en respect, à ­genoux et mains sur la tête, par une escouade de CRS : « Voilà une classe qui se tient sage. » Même quand la caméra passe du côté de l’ordre, les images et les méthodes semblent brutales, disproportionnées, illégitimes et impunies. Puisse ce film contribuer à une prise de conscience générale et à une réforme rapide de la délétère stratégie de maintien de l’ordre à la française. Télérama

Festival Augenblick

Du 3 au 20 novembre sur le territoire alsacien.

Au Cinéma Bel Air, projections publiques du samedi 7 novembre au dimanche 22 novembre. Tarif : 5 € / 3 € Carte culture.

Séances scolaires du 2 novembre au 18 décembre. Séances en 2021 possibles sur certains films. Nous contacter à cinebelair@wanadoo.fr

Les séances publiques sont en ligne dans "Les films du mois".

Alice est aux anges : elle passe ses vacances chez son ami Tarun en Irlande du Nord. Mais l’été n’est pas de tout repos ! La mère de Tarun, océanographe passionnée, subit un cambriolage dans sa station de recherche. Les enfants sentent bien que la situation est plus grave que ce qu’elle veut laisser paraître… De retour en Allemagne sur les bords de la Baltique, les Pfefferkörner se saisissent de l’affaire ! Alice, Tarun, et trois nouveaux amis mènent l’enquête, qui va les mener au cœur des conflits entre chercheurs, pêcheurs et industriels, et leur faire comprendre quelle menace pèse sur les océans.

Kokon

L'Amour est plus froid que la mort

Franz, qui a refusé de rejoindre un groupe criminel, est poursuivi par un gangster répondant au nom de Bruno. Bientôt, les deux hommes deviennent amis et se partagent la même femme, Johanna. Mais celle-ci se lasse rapidement de Bruno et le dénonce à la police alors qu'il s'apprête à braquer une banque.

Le premier long métrage de Fassbinder est dédié à Claude Chabrol, Eric Rohmer et Jean-Marie Straub (qui lui avait fait cadeau d'un beau travelling nocturne dans les rues de Munich). Ce film de gangsters à la fois minimaliste et fétichiste fait pourtant davantage penser à Melville (le personnage d'Ulli Lommel copie Le Samouraï) et, surtout, au Godard d'A bout de souffle et de Made in USA. Mais un Godard sous Tranxène, qui aurait renoncé à ses expérimentations syncopées sur le montage... Le style de L'amour est plus froid que la mort est sec jusqu'à l'aridité. Seule la musique donne un peu de lyrisme aux (très) longs plans aveuglés de lumière blanche, où Fassbinder réalisateur se montre aussi économe de ses mouvements de caméra que Fassbinder acteur de ses gestes. Si le travail sur le cadre est superbe, la maîtrise technique prend souvent le dessus sur l'émotion. Même si tous les grands thèmes fassbinderiens sont déjà présents : l'amitié masculine perturbée par une femme (Hanna Schygulla, rayonnante pour ses débuts à l'écran) ; la méfiance des sentiments considérés comme un instrument de manipulation des êtres ; et la vision masochiste de l'amour... Télérama

Nobadi

Un vieil homme acariâtre vivant seul veut creuser un trou dans son jardin pour y enterrer son chien. Un réfugié afghan lui propose son aide contre rémunération. Quatre euros de l’heure. En l’espace de quelques heures, ces deux personnes qui n’ont rien en commun partageront une épopée hors du commun.

Walchensee Forever

C'est un café au bord du lac de Walchen, en Bavière. Trois générations de femmes ont vécu et œuvré dans ce lieu magnifique, refuge pour certaines, chrysalide pour d’autres. La réalisatrice, fille de photographe, petite-fille de peintre, dessine par touches d’une grande douceur, le portrait de ces femmes simples mais extraordinaires, puisant sa matière dans les films de famille et les photos de sa mère. Dans la profondeur des regards, dans les rides et le tressaillement des visages, affleurent leurs fragilités, leurs tragédies. Un film solaire et sombre tout à la fois, qui déroule leur histoire et leurs quêtes, de l’office aux bords du lac, du folklore bavarois aux communautés hippies, en passant par l’Inde, les États-Unis et le Mexique des années 70.

LE MUR ENTRE NOUS

(Le mur qui nous sépare) Berlin, 1986. Une paroisse allemande organise une rencontre à Berlin-Est, entre des jeunes des deux côtés de la ville divisée. Anna y rencontre Philipp, fils de pasteur vivant en DDR, cynique désabusé mais charmant dont elle tombe amoureuse. Leur relation se poursuit par correspondance, entre les visites ponctuelles d’Anna à Philipp selon la procédure autorisée, le temps d’une seule journée volée. Mais bientôt, une idée devient obsession : se réunir une fois pour toutes, au-delà du mur qui les sépare.

Le Mariage de Maria Braun

Maria et Herman ont connu un bonheur éphémère durant la guerre. Maria, devenue entraineuse, se raccroche à la pensée de l'être aimé. Lorsqu'il réapparaît, elle tue son amant et Herman s'accuse du meurtre.

Le film rencontra un grand succès, joué avec conviction par Hanna Schygulla — sa prestation constitue le sommet d'une ­collaboration de plus de dix ans avec Fassbinder. Sous couvert d'une intrigue mélodramatique, Fassbinder ­décrit avec une ­profonde ironie l'Allemagne d'Adenauer et de la reconstruction. Symboliquement, le film s'achève sur la victoire de l'équipe nationale de football à la Coupe du monde 1954, ­moment décisif pour le peuple allemand, qui, de vaincu, redevient vainqueur. La critique est violente. Ne voit-on pas Fassbinder lui-même, dans une courte apparition, sacrifier la poésie — les oeuvres complètes de Kleist — sur l'autel du marché noir ? Un film admirable de maîtrise, mais sacrément dérangeant. Télérama

Lili Marleen

L'amour impossible entre l'interprète de la chanson "Lili Marleen", instrument de la propagande allemande, et un jeune musicien d'origine juive.

En s'inspirant des souvenirs de Lale Andersen, Fassbinder a imaginé l'histoire d'une petite vedette de cabaret qui devient la star des nazis. La gentille Willie (Hanna Schygulla, très Marlene) n'a pas l'impression de vendre son âme au diable. Elle aime juste la villa blanche que lui offre le Führer. Sous les croix gammées, elle poursuit un rêve sentimental : retrouver Robert, le fils d'une famille juive de Zurich... Avec les moyens considérables du cinéma de reconstitution historique, Fassbinder se concentre sur le portrait d'une femme flouée et manipulée. Aux yeux du réalisateur, elle est ici la seule victime : le père du trop faible Robert est montré comme un chef de clan mafieux, même s'il se bat pour sauver d'autres Juifs. C'est une vision assez désabusée de l'Histoire, de l'héroïsme. On peut la contester, mais elle impressionne par sa volonté de placer le mélodrame sentimental au-dessus du bien et du mal, comme seul révélateur de la cruauté des hommes. Télérama

LA TAUPE COIFFEE ET AUTRES PETITES HISTOIRES

Ce programme de courts métrages réunit huit petites histoires, dédiées aux plus jeunes spectateurs. Muets ou parlants, parfois mis en musique, les courts évoquent les sujets de la nature, de la nuit ou du voyage, avec humour ou émotion. Venez à la rencontre du petit bateau rouge naviguant sur les flots, du paresseux qui n’arrive pas à dormir, ou de la célèbre petite taupe qui voulait savoir qui lui avait fait sur la tête, pour faire découvrir aux enfants en douceur l’univers du cinéma animé : Il se compose de : Der Kolibri auf meiner Schmusedecke, de Angela Steffen Anglerfisch, de Julia Ocker Vom kleinen Maulwurf, der wissen wollte, wer ihm auf dem Kopf gemacht hatte, du livre de Werner Holzwarth Some Thing, de Elena Walf Das Nashorn auf meiner Schmusedecke, de Angela Steffen Das kleine rote Papierschiffchen, de Aleksandra Zareba Der kleine Vogel und die Bienen, de Lena von Döhren Das Faultier auf meiner Schmusedecke, de Angela Steffen

Cléo

Berlinoise et rousse, Cléo se morfond dans la solitude. Sa rencontre avec Paul, un chasseur de trésor, va pourtant faire renaître chez la jeune femme un vieux rêve : retrouver la trace, dans les arcanes de la capitale allemande, d’une mythique horloge capable de remonter le temps. Cette découverte serait l’occasion pour Cléo de réparer les tragédies de son enfance… Passionnée par sa ville, Cleo guide avec fantaisie les touristes à travers Berlin. Sa rencontre avec Paul, un chasseur de trésor, va faire renaître chez la jeune femme un vieux rêve : retrouver la trace, dans les arcanes de la capitale allemande, d’une mythique horloge capable de remonter le temps. Cette découverte serait l’occasion pour Cleo de réparer les tragédies de son enfance… Commence alors une folle aventure à travers Berlin, son histoire et ses secrets.

Alles gut

Quelle reconstruction possible après avoir fui son pays ? La réalisatrice Pia Lenz nous plonge dans le quotidien de deux enfants vivant dans un centre d’accueil de réfugiés à Hambourg avec leurs familles. À 8 ans, Djaner, Macédonien, peine à s’adapter à l’école mais peut compter sur la bienveillance de ses camarades, de leurs parents et des enseignants. Ghofran, Syrienne de 11 ans, découvre son nouveau pays en même temps qu’elle se cherche en tant que jeune fille, soucieuse de ne pas renier son identité. Dans un univers bancal, les enfants grandissent, malgré les recherches de logement qui n’aboutissent pas, ou la menace perpétuelle d’une expulsion proche. Au fil du temps, une phrase perd son sens. Tout va bien.

L'Affaire Collini

Un avocat accepte de défendre un homme accusé d'avoir tué un vieil homme d'affaire. En enquêtant sur cette affaire, ce jeune homme de droit s'apprête à découvrir le plus gros scandale juridique de l'histoire allemande et une vérité à laquelle personne ne veut se confronter.

Les Leçons Persanes

1942 : Gilles, juif belge, est arrêté par les SS et déporté vers un camp de concentration en Allemagne. Il échappe à une exécution arbitraire en prétendant être persan. Mais son mensonge salutaire lui vaut une mission impossible : enseigner le farsi à l’officier du camp en charge des cuisines qui rêve d’ouvrir un restaurant en Iran après la guerre. Mot à mot, Gilles invente une langue à mesure qu’il l’enseigne, la moindre incohérence pouvant lui être fatale…

Bruno Manser : La Voix de la Forêt Tropicale

1984, à la recherche d'une expérience plus profonde que la superficialité de notre civilisation moderne, Bruno Manser, un activiste écologiste suisse, voyage au coeur de la jungle de Borneo en Malaisie. Il y rencontre les Penan, une tribu nomade avec qui il décide de vivre. Cette expérience le marquera à vie. Malheureusement, la déforestation des forêts commence durant son séjour parmi les Penan. En conséquence, la tribu entière souffre de la contamination des eaux et de la disparition des animaux. Avec courage et détermination, Bruno Manser organise son premier blocage en septembre 1985. Son incroyable histoire fait de lui un des plus grands écologistes de son époque.

Oskar et Lily

Oskar et Lily, deux enfants tchétchènes, sont sur le point d’être expulsés d’Autriche avec leur mère. Suite à une tentative désespérée de leur maman pour les protéger, l’expulsion est suspendue mais Oskar er Lily sont séparés et chacun placés dans une famille d’accueil. L’espoir des enfants de retrouver leur mère se nourrit de leur amour réciproque et met au défi tous les obstacles de la bureaucratie avec passion et poésie...

Le drame des réfugiés vu à hauteur d’enfants, entre l’optimisme rebelle d’Oskar, 8 ans, et les émotions à vif de Lily, jeune ado. Derrière une poésie un peu frelatée, ce drame, tour à tour sensible et démonstratif, dessine deux beaux personnages, dit leur douleur, leurs espoirs, et la tragédie vécue par leur mère, obligée de les fuir pour les protéger. Il pointe aussi la culpabilité d’un pays au lourd passif vis-à-vis de ses étrangers, à travers le portrait des adoptants, des bobos dépassés par leur nouvelle responsabilité. Le Nouvel Obs

Out of Place

Ils l’entendent souvent : s’ils ne changent pas de trajectoire, Kevin, David et Dominik ne relèveront bientôt plus des travailleurs sociaux mais des gardiens de prison. Jugés trop « difficiles » pour les centres éducatifs allemands, les trois adolescents sont envoyés en Roumanie. Exilés de leurs vies et de leur pays, ils partagent le quotidien et les tâches de familles dans des villages isolés, attendant que les progrès réalisés suffisent aux yeux des éducateurs qui les suivent, pour un retour, ou au moins une visite en Allemagne. Ils ne parlent pas la même langue et n’ont certainement pas mené la vie de leurs hôtes, mais lentement, un respect mutuel s’installe, forgé de patience et de compréhension.

Le Faussaire

Un reporter allemand, en mission à Beyrouth, decouvre la confusion de la guerre du Liban et refuse à son retour en Europe de remettre quelque article que ce soit à son rédacteur en chef. Reporter de guerre en mission au Liban, Georg Laschen arpente toutes les nuits la ville de Beyrouth martyrisée, à la fois effrayé par la mort et fasciné par l’effervescence de cette ville orientale. La rencontre d’Ariane, employée à l’ambassade allemande, le conduit à poser un regard différent sur le Liban, sur le conflit qui le déchire, remettant en question son propre travail de journaliste et la vie qu’il mène.

«Le héros du film, disait Schlöndorff, constate avec une secrète satisfaction que le monde extérieur est ici le reflet de ses propres désarrois, de son conflit avec lui-même. » On touche là les ­limites du projet : n'évoquer le conflit libanais que pour mieux conter une dérive existentielle typique du ­cinéma allemand des années 70 et 80. La façon dont Schlöndorff utilise les vraies images du conflit en les confrontant à des images mises en scène - une caméra laissée plein champ nous indique qu'il s'agit d'une ­reconstitution - peut même choquer : le cinéaste est, comme son héros, « un faussaire »... Son superbe film démêle les origines du conflit et montre brillamment le quotidien de la guerre, cet état étrange de vie hors la vie, où l'amour même prend un goût différent. Bruno Ganz, magistral, est notre complice dans cette expérience inquiétante. Télérama

Effi Briest

La jeune baronne von Instetten, Effi Briest, souffre d'ennui et de desoeuvrement dans la vaste demeure de son mari. Sa rencontre avec le Major Crampas va adoucir la rigueur de sa vie. Mais un jour, le severe baron von Instetten va decouvrir la correspondance des deux jeunes gens.

Un vieux couple sirote du café dans le jardin ; ils parlent de leur fille décédée, Effi, pendant que les feuilles tombent. Un long silence s’installe, après l’évocation des regrets. C’est la fin du film, mais aussi la fin du roman éponyme de Theodor Fontane, paru en 1896, et qui n’est pas sans rappeler Madame Bovary ou Anna Karenine . Une fin en apparence apaisée, mais qui est assombri par des questions sans réponses : les parents ont-ils créé la responsabilité des événements ? Dans quelle mesure ? Et comment ce couple « parfait » a-t-il pu ainsi être détruit ? Le film commence dans le même jardin, mais sous un soleil radieux : Effi, « fantasque » d’après sa mère, toujours en mouvement, oscille sur sa balançoire. Elle a 17 ans, la vie devant elle. Mais c’est une vie selon les codes de la société du dix-neuvième siècle, qui pousse une enfant rêveuse dans les bras d’un homme plus âgé. Obligée de s’exiler, elle s’ennuie dans un domaine morne. Pour se distraire, elle prend un amant qu’elle n’aime pas et qu’elle quitte sans regrets au moment de la mutation (une promotion) de son mari. Six ans plus tard, le mari en question, par hasard, trouve les lettres de l’amant et s’en ouvre à son confident : la scène est magistrale ; Geert prouve qu’à partir du moment où il en a parlé à quelqu’un, il ne peut que se battre en duel, même s’il n’en a pas envie, même s’il n’a pas de colère. Pour montrer son dilemme, Fassbinder le cadre dans un miroir, l’un des très nombreux du film, mais son image est dédoublée par un rebord. Et pendant qu’il évoque son drame, un flash-forward lui fait déjà parcourir le trajet qui mène à l’affrontement. Un cut brutal, et c’est une arme qui apparaît ; l’amant s’écroule, veut parler à Geert, mais ne finit pas sa question. Tant de rigueur, de jeu sur les ellipses et les cadres éblouit : en quelques minutes, le sentiment de l’inéluctable et de l’absurde éclate sans qu’il soit besoin d’y insister. Fassbinder traite de front le mélodrame, tout en en retirant le larmoyant (qu’il utilisera plus tard), comme la plupart des moments forts de l’intrigue. Tout passera par des dialogues, des plans larges (voir l’adultère), des acteurs hiératiques et distanciés ; mais cette distance évoque la froideur d’une société rigoureuse, qui n’admet pas qu’une femme ait un amant. Alors Geert éloigne Effi, et ses parents ne peuvent l’accueillir, ce qui reviendrait à accepter et pardonner sa faute. La suite montrera que tous ces personnages ne sont pas des monstres, qu’ils vont cultiver les regrets : ils ne pouvaient pas faire autrement... Un moment, un seul à notre avis, laisse passer l’émotion sans fard ni dispositif : Effi vient de revoir sa fille, très distante, et en un monologue filmé en gros plan, sans montage, elle dit sa rage et sa haine. Le plus souvent au contraire, c’est la retenue qui prime et qui fige les êtres comme la société est elle-même figée. En multipliant les sur-cadrages et les obstacles au premier plan (voiles, grilles, filets…), Fassbinder figure l’emprisonnement de ces victimes et pourtant artisans de leur drame. Pour une « faute » que tout le monde pourrait pardonner et par respect des conventions, des vies sont gâchées sans retour. Le malheur installé, ne reste plus qu’à prendre le café, pendant que le chien, le seul finalement à montrer ses sentiments, pleure sur la tombe. Admirable roman, Effi Briest est aussi un film admirable, d’une maîtrise et d’une beauté sans pareil. Les cadres approchent la perfection, les travellings sont élégants, la scénographie toujours pensée et quelques trouvailles, comme les fondus au blanc, magnifient encore ce chef-d’œuvre bouleversant. Avoir-alire

FRITZI

Allemagne de l'Est, 1989. Fritzi, 12 ans, s'occupe avec amour du petit chien de sa meilleure amie, Sputnik, tandis que la famille de Sophie est en vacances d'été en Hongrie. Lorsque Sophie ne rentre pas de vacances, Fritzi et Sputnik partent à sa recherche...

Aufzeichnungen aus der Unterwelt

Ce sont des vieillards au visage buriné, filmés avec respect. Ils disent leur vie, celle de petites frappes des années 60 – ils faisaient alors partie de la pègre locale et brassaient l’argent provenant des jeux de cartes. Au fil de leurs histoires se dessine une Vienne méconnue, populaire, forcément merveilleuse à leurs yeux nostalgiques. Ils sont pourtant les acteurs d’un fait divers qui les a durablement marqués. C’est ce qu’ils racontent. Leur langue est belle, chantante. Certains sont encore enjoués, d’autres usés par les coups. Les réalisateurs ont choisi le noir et blanc et un cadrage serré pour ne pas distraire l’écoute de ces ancêtres et de ce qu’ils nous font découvrir de la société et de la Vienne de cette époque, retrouvant la couleur lorsqu’ils restituent leurs personnages à leur vie présente.

Le Vaisseau fantôme

A la suite d'un accident de ferry-boat par une nuit de brouillard, un écrivain et une évadée de prison sont recueillis sur le navire d'un méchant loup de mer qui refuse de les débarquer. Poussé à bout par sa cruauté, l'équipage décide de se révolter et se prépare à la mutinerie...

La rudesse de la vie à bord, les humiliations du capitaine, le suicide d'un homme provoquent une révolte. Cette adaptation d'un roman de Jack London n'est pas qu'un film d'aventures mais surtout une charge contre la dictature et le nazisme, le récit du combat du Bien contre le Mal. De nombreuses versions ont été tournées : celle-ci bénéficie du talent au scénario de Robert Rossen, futur réalisateur de « L'arnaqueur », du savoir faire du réalisateur Michael Curtiz, et d'un comédien exceptionnel, Edward G. extraordinaire, très bien accompagné de Ida Lupino et John Garfield. Pariscope